4 комплект 3 вариант Квадрат Малевича Биография Казимир Малевич родился 23 февраля 1878 года в городе Киев, в украинской шляхетской семье (по другим данным — в семье белорусского этнографа и фольклориста Северина Малевича). Отец работал управляющим на сахарном заводе. Начальное художественное образование он получил в Киевской художественной школе Н. И. Мурашко. Карьеру художника Малевич начал с импрессионизма. Позже Малевич стал одним из активных участников футуристических выставок. В 1913 году оформлял футуристическую оперу «Победа над Солнцем». Автопортрет, 1912 Одна из работ раннего Малевича В 1919-22 годах Казимир Малевич преподавал в Народной художественной школе «нового революционного образца» в Витебске. В 20-е годы участвовал в оформлении спектаклей В. В. Маяковского «Мистерия-Буфф». С 1923 по 1927 год — директор Ленинградского государственного института художественной культуры[5]. Был членом «Объединения современных архитекторов» (ОСА). Малевич был последовательным пропагандистом собственной теории. Вокруг него со временем образовалась группа единомышленников УНОВИС (Утвердители нового искусства). Творения русских художников-авангардистов начала века взорвали устаревшее прозападное визуальное сознание. Входил в группу молодых художников Ослиный хвост. Самое знаменитое живописное произведение Малевича Чёрный квадрат. По завещанию, после смерти тело Малевича было кремировано в супрематическом гробу, а затем урна была захоронена под любимым дубом художника в Немчиновке. Над могилой был установлен кубический бетонный монумент с изображенным черным квадратом. В годы войны могила была утрачена. В настоящее время ее местонахождение было установлено энтузиастами с достаточной точностью. Могила находится недалеко от Советского проспекта в Немчиновке, восточнее пруда. На месте могилы установлен небольшой монумент. Одни из самых знаменитых картин Малевича это: • Чёрный квадрат • Красный квадрат • Скачет красная конница • Супрематическая композиция А теперь немного о создание картины… История картины Картина была написана Малевичем летом и осенью 1915 года. По утверждению художника, он писал её несколько месяцев. Картина была выставлена на последней футуристической выставке «0.10», открывшейся в Петербурге 19 декабря 1915 года. Среди тридцати девяти картин, выставленных Малевичем на самом видном месте, в так называемом «красном углу», где обычно вешают иконы, висел «Черный квадрат». Впоследствии Малевич написал несколько копий «Чёрного квадрата» (по некоторым данным, семь). Достоверно известно, что в период с 1915 по начало 1930-х годов Малевич создал четыре варианта «Чёрного Квадрата», которые различаются рисунком, фактурой и цветом. Один из «Квадратов», хотя и датирован автором 1913-м годом, принято относить к рубежу 1920-х-1930-х годов. Им были также написаны картины «Красный квадрат» (в двух экземплярах) и «Белый квадрат» («Супрематическая композиция» — «Белое на белом») — один. «Квадрат» сыграл свою роль в оформлении похорон Малевича в 1935 году. Во время похорон на открытой платформе грузовика с изображением чёрного квадрата на капоте был установлен супрематический саркофаг, а над могилой (близ деревни Немчиновки) был поставлен деревянный куб с изображением чёрного квадрата. Вскоре могила была уничтожена. Немного о литературе: «Чёрный квадрат» в литературе Виктор Пелевин в своём романе «Священная книга оборотня» пишет от лица главной героини: …я яростно рванулась к черному квадрату свободы, в котором уже горели первые звезды. Забегая вперед, хочу сказать, что именно этот опыт помог мне впоследствии понять картину Казимира Малевича «Черный Квадрат». Я бы только дорисовала на нем несколько крохотных сине-белых точек. Однако Малевич, хоть и называл себя супрематистом, был верен правде жизни — света в российском небе чаще всего нет. И душе не остается ничего иного, кроме как производить невидимые звезды из себя самой — таков смысл полотна. История написания картины: с «Квадратом» По утверждениям самого художника, «Квадрат» занимал центральное место в его творчестве. «Я долгое время не мог ни есть, ни спать» — говорил Малевич, — «и сам не понимал, что такое сделал». Существует версия, что на появление «Квадрата» повлияла смерть от тифа единственного сына Малевича Анатолия в октябре 1915 года. Другая версия состоит в том, что картина была написана позже, к выставке — поскольку огромный зал надо было чем-то заполнить. Эта интерпретация основана на письме одного из организаторов выставки Малевичу: Надо писать сейчас много. Помещение очень велико, и если мы, 10 человек, напишем картин 25, то это будет только-только. Изначально знаменитый квадрат Малевича впервые возник в декорациях к опере «Победа над Солнцем» как пластическое выражение победы активного человеческого творчества над пассивной формой природы: черный квадрат вместо солнечного круга. Это была знаменитая декорация к пятой сцене 1-го действия, представляющая собой квадрат в квадрате, поделенный на две области: черную и белую. Затем из декораций этот квадрат перекочевал в станковое произведение. Исаакиевский собор История собора. Одним из грандиознейших в мире купольных сооружений и главной доминантой центра города является Исаакиевский собор. Его особые величие и роскошь, выраженные и в размерах здания, и в богатстве каменного убранства, определились тем значением, которое ему предавал дом Романовых: собор посвящен Петру I и назван в честь св. Исаакия Далматского, в день памяти которого родился Петр I. Сменяя друг друга, до нынешнего Исаакиевского собора были возведены три Исаакиевские церкви, все более дорогие. 1-я церковь При закладке Адмиралтейства против его главного входа на Адмиралтейском лугу, примерно на месте нынешнего фонтана с бюстами выдающихся деятелей России, срубили бревенчатый амбар, в котором изготовлялись чертежи для разных корабельных сооружений. Но вскоре на внутреннем дворе верфи построили новую, более просторную чертежную «камору», а старый амбар перестроили под приходскую церковь, которая была освящена в 1710 году во имя Исаакия Далматского. Это было длинное бревенчатое, с широкими окнами строение, крытое двускатной тесовой крышей. Над алтарем возвышался купол с крестом, а над западной стороной – одноярусная со шпицем колокольня. 2-я церковь 6 августа 1719 года была заложена новая каменная церковь во имя того же святого, строившаяся по проекту архитектора Маттарнови. Она стояла примерно там, где сейчас красуется Медный всадник, только в ту пору Нева в этом месте была шире, а берег низменный болотистый. Церковь в плане имела форму греческого равноконечного креста и завершалась высокой стройной башней с золоченым шпилем; внешне она несколько походила на возводимый в крепости Петропавловский собор, и к тому же на обоих храмах были установлены часы-куранты, доставленные из Амстердама. В 1735 году в шпиль ударила молния, и возник пожар – церковь пришлось восстанавливать чуть ли не заново. 3-я церковь Вступившая на престол в 1761 году Екатерина 2, особенно чтившая память великого предшественника, сочла, что старинная и обветшалая церковь не гармонирует с архитектурным ансамблем центральной части столицы, и повелела А. Ринальди возвести на новом месте мраморный величественный Исаакиевский собор. Работы начались в 60-х годах 18 века, но велись очень медленно и второпях были закончены лишь при Павле 1. Гранит и другие строительные материалы пошли на возведение Михайловского замка, а недостроенный собор поспешно завершили в кирпиче и с большими искажениями проекта Ринальди. При этом размеры церкви и ее колокольни оказались сильно уменьшенными по сравнению с планом А. Ринальди. Третья Исаакиевская церковь, хотя и облицованная карельскими мраморами, не гармонировала с окружавшими ее постройками и была снесена. Сейчас ее модель экспонируется в отделе истории архитектуры Научно-исследовательского музея Академии художеств. 4-я церковь Александр 1 решил возвести новый храм, который мог бы «как снаружи, так и внутри по богатству и благородству архитектуры представлять все, что возбуждает удивление в самых великолепных церквях Италии. Здание предназначалось для главного православного храма России, на его возведение не жалели ни средств, ни сил. Собор строился по проекту архитектора О. Монферрана необычайно долго, в течение 40 лет начиная с 1818 года, вследствие больших технических трудностей. Внешний вид Внешний вид этого собор – крупнейшее сооружение середины прошлого столетия и последний храм, воздвигнутый руками крепостных. В ясные солнечные дни громадный, сверкающий позолотой купол собора виден за десятки километров. Издали, конечно, трудно разглядеть, что вершину слегка удлиненного купола венчает легкая изящная постройка – фонарик с греческим золотым крестом, а у основания купол окружает стройная колоннада. Может показаться, что сверкающий купол похож на шлем витязя. Да и сам собор-исполин с его нерушимой гранитной мощью ассоциируется с образами русских чудо богатырей из былинного эпоса. Что ж, для русского православного храма такие сравнения были бы не столько уместны, но и желательны, тем более что первопрестольный собор столицы должен был служить символом незыблемости и мощи русского самодержавия и православия. Строительство Исаакиевского собора совпало с тем периодом в истории Петербурга, когда в архитектуре господствовал классический стиль, что нашло свое отражение и во внешнем облике здания. Большой купол Исаакиевского собора Исаакиевский собор, как и большинство православных храмов, пятиглавый, но его центральный купол значительно больше и наряднее, что характерно и для других храмов того времени. Большой купол Исаакиевского собора по величине стоит на шестом месте среди подобных сооружений современного мира. Вершина его увенчана легкой, изящной постройкой, называемой фонариком, тоже с небольшим золоченым куполком, завершенным крестом. Нижняя, цилиндрическая часть купола, служащая ему основанием, - барабан, или башня, - снаружи облицована мрамором, частично обшита медью и прорезана двумя рядами окон. На широком кольцеобразном выступе барабана установлены стройные колонны с нарядными базами и капителями. Над колоннадой – балюстрада с фигурами ангелов и архангелов, отлитыми из бронзы. Облаченные в длинные свободные одежды крылатые статуи четко выделяются на светлом фоне барабана, а их причудливые, резко очерченные силуэты четко прорисовываются на бледной голубизне неба. Фигуры, стоящие над колоннами, продолжают их вертикали, что придает всей колоннаде более легкий стройный вид. Колокольни Как вы видите над кровлей собора возвышаются четыре колокольни, четырехгранные, выложенные гранитом, с открытыми звонами и украшенные колоннами, а малые золоченые купола с крестами видны уже издали. Колокольни расположены на массивных выступах стен северного и южного фасадов. Вертикали выступов членят плоскости фасадов, создавая игру светотени, громоздкий, отчего корпус собора выглядит стройнее. Внутри выступов круглые колодцы с каменными винтовыми лестницами для подъема на площадки колоколен. Колонны Среди наружных украшений Исаакиевского собора прежде всего выделяются его колонны из темно-розового гранита-рапакиви. Особенно грандиозные колонны установлены на гранитных массивных стилобатах четырех величественных портиков собора: в северном и южном портиках – по 16 колонн, в восточном и западном – по 8. Колонны венчаются антаблентом, фриз которого высечен также из темно-розового гранита-рапакиви, а к подножию собора от них ведут широкие гранитные ступени. Каждая из 48 колонн имеет высоту 17 м, диаметр 1,85 м и весит 114 тонн. Они входят в число самых гигантских в мире, уступая по размерам только Александровской колонне, возведенной также по проекту О.Монферрана, обелиску св.Петра в Риме и Помпейской колонне. Выше портика, в барабанах куполов, звоницах, а также по бокам окон над городом как бы парят ряды колонн из того же розового гранита. Всего собор украшают 112 гранитных колонн. Стены собора После установки колонн портиков возводились стены собора. Снаружи они облицованы крупными плитами светло-серого рускеальского мрамора. Из такого же мрамора высечены резные портики дверей с многофигурными бронзовыми рельефами. Рускеальский мрамор оказался очень нестойким и стал быстро разрушаться. Поэтому в 1870–1890-х годах, при первой реставрации собора многие плиты рускеальского мрамора были заменены вставками из более однородного бледно-серого итальянского мрамора “бардиллио”, добытого возле Серравеццы Интерьер Интерьер Исаакиевского собора торжественно богат в изобилии украшенный цветным камнем огромный интерьер Исаакиевского собора. Особое впечатление производит иконостас, вырезанный из белого статуарного мрамора, добытого в Серравецце в каменоломнях Ла Винкарелла, Фальковая и Монте Альтиссимо. В нем находятся восемь колонн и две пилястры, сделанные из малахита способом ”русская мозаика”. Эти колонны высотой 9,7 м и диаметром 0,62 м представляют единственную в своем роде достопримечательность. Колонны и пилястры обильно каннелированы и украшены золочеными капителями. Из малахита сделаны также вставки-медальоны и узкие плиты-филенки в боковых арках алтаря. Всего для внутренней отделки Исаакиевского собора пошло 15 т меднорудянского малахита самого высокого качества. По первоначальному проекту Монферрана в алтаре предпологалось поставить восемь колонн из зеленой сибирской яшмы и четыре колонны из пурпурного порфира, но в связи с обнаружением в 1836 году на Меднорудянской шахте огромной глыбы малахита было решено употребить для отделки колонн именно этот камень, палитра зеленого цвета которого включает разнообразные оттенки. Две центральные колонны иконостаса высотой 4,9 м и диаметром 0,43 м также по способу ”русской мозаики” облицованы темно-синем бадахшанским лазуритом. Любопытно, что вначале эти колонны были облицованы прибайкальским лазуритом, но в таком виде они не понравились Монферрану, и он распорядился изготовить для иконостаса новые колонны из бадахшанского камня, а колонны из прибайкальского лазурита использовал в декоре своего особняка на Мойке. Архитектор не учел того, что бадахшанский лазурит хорошо выглядит только при очень ярком освещении. Света же в алтаре Исаакиевского собора даже сейчас недостатоно, и бадахшанский камень кажется довольно мрачным. А прибайкальский лазурит и при искусственном освещении не теряет своей красоты. В арках боковых приделов иконостаса также из пластинок лазурита выложен излюбленный древнегреческий орнамент – меандр, или бордюр “A la grecque”. Ступени к алтарю и нижняя часть иконостаса вытесаны из темно-красного шокшинского кварцита – “шаханского порфира”. Из него же сделан карниз, венчающий каменный декор всего интерьера. Широкий фриз этого кварцита окаймляет пол по периметру собора. Пол составлен из плит темно-серого и светло-серого рускеальского мрамора, расположенных в шахматном порядке. Центральная часть пола под куполом собора представляет собой великолепную мозаику в форме огромного круга, называемого “розасом”, т.е. розой, набранную из розового и вишнево-красного тивдийского мрамора, обрамленную бордюром «a la grecque». Нижняя часть стен и громадных пилонов выложена плитами черного аспидного сланца. Над ними стены собора облицованы белым итальянским мрамором и отделаны пилястрами и колоннами из тивдийского светло-розового и вишнево-красного мрамора. Всего в соборе 8 колонн и 172 пилястры, полупилястры и четвертьпилястры из карельских мраморов. Колонны и пилястры светло-розового теплого по тону цвета каннелюрованы, а темные вишнево-красные пилястры, стоящие по углам собора, гладкие. В некоторых плитах, например находящихся в юго-западном углу собора, видно, как нежно-розовый цвет мрамора постепенно переходит в красный и темный вишнево-красный, а иногда камень становится пепельно-розовым, почти серым. Под пилястрами в рамках из белогорского мрамора расположены круглые медальоны и узкие фигурные доски, изготовленные из хорошо отполированной соломенской брекчии. В углублениях между пилястрами в стены вставлены огромные плиты из разноцветного привозного мрамора: зеленого генуэзского, или “verde di Levanto”, красного “rosso di Levanto”, желтого сиенского. Под настенными иконами, орнаментированными резным белым итальянским мрамором, находятся большие доски из французского мрамора “гриотто”. Этот очень ценный мрамор имеет яркий красный цвет с белыми округлыми пятнами окаменелых раковин. Огюст де Монферран (1786-1858) О. Монферран прибыл в Петербург в 1816 году. Разработал целый альбом из 24 проектов перестройки Исаакиевского собора. В 1817-1857 годах Монферран становится главным архитектором Исаакиевского собора. В Петербурге ему принадлежат и некоторые другие постройки, среди которых нельзя не назвать знаменитую Александровскую колонну перед Зимним дворцом. В южном нефе собора стоит бюст Огюста де Монферрана – автора проекта и строителя Исаакиевского собора. Ученик знаменитого архитектора, скульптор А. Фолетти, исполнил этот бюст из всех тех пород камня, которые Монферран употребил при отделке собора. Лицо Монферрана он вытесал из белого каррарского мрамора, волосы – из серого мрамора “бардиллио”, мундир – из серого гранита, воротник мундира – из аспидного сланца, плащ – из шокшинского малинового кварцита, орденскую ленту – из зелёного мрамора, а ордена – из жёлтого сиенского мрамора и малинового кварцита. Постаментом бюста послужил розовый тивдийский мрамор. Здесь, может быть, уместно вспомнить слова Александра Дюма из мало известного сейчас некролога, посвященного О. Монферрану и написанного во время его недолгого пребывания в Петербурге в 1858 году, как раз после открытия собора и смерти архитектора: «Гильберти, которому поручили ваяние дверей баптистерия во Флоренции, склонился над ними в 20-летнем возрасте молодым темноволосым человеком, а разогнулся только 60-летним седым стариком. Монферран провел то же время над своим произведением, 40 лет, почти полвека, более, чем обычная жизнь человека, время, какое понадобилось Франции, чтобы утвердить и опрокинуть три режима (империи). Но в течение этих сорока лет Монферран не только создал двери такого баптистерия, он построил целую церковь, воздвигнул, заставил подняться из земли, заставил возвыситься к небу. Он не только ваял бронзу, он иссекал гранит, он полировал мрамор, он плавил золото, он вправлял драгоценные камни.… Пока эти две нации воевали, союз искусства устоял. Циркулем ее архитекторов и карандашом ее художников Франция подавала руку России…» И в завершение… Исаакиевский собор был открыт 30 мая 1856 г., в 186-ю годовщину со дня рождения Петра I. Много технических новшеств и смелых инженерных решений было применено при строительстве собора, таких, как создание мощного свайного основания, блочная кладка фундаментов и использование аммосовской системы отопления, разработка особой конструкции подкупольных сводов и перекрытий, метод гальванопластики при изготовлении бронзовой скульптуры, искусное возведение сложных строительных лесов и т.д. Умело использовались и старые приемы установки колонн при помощи передвижных портальных кранов, а также огневой метод золочения куполов амальгамой, которые до сих пор ярко блистают, не разу не обновленные. И все же эта каменная громада оказалась непрочной. Фундаменты собора давали неравномерную осадку, мраморные стены разрушались, Уже через 30 лет собор вновь оделся в леса и с тех пор не раз реставрировался. Особо сильно Исаакиевский собор пострадал во время Великой Отечественной войны. Его гранитные колонны были повреждены осколками разорвавшихся поблизости фашистских снарядов. Множество таких ран несут, в частности, колонны западного портика. Осколки бомб и снарядов пробили крышу здания, и внутрь его стали проникать атмосферные осадки. Декоративное убранство собора разрушалось от сырости и холода. На мраморной облицовке внутренних стен и пилонов образовалась сеть трещин, появились выбоины и сколы. Мрамор утратил зеркальную полировку, поверхность его покрылась грязью и копотью. В первые же послевоенные годы в соборе начались реставрационные работы, продолжавшиеся до 1963 г. Стены были очищены от наслоений грязи абразивами, трещины и выбоины на мраморе тщательно заделывались разноцветными мастиками, созданными на основе синтетических смол. Затем вся поверхность камня была тщательно отполирована. Сейчас только внимательно присмотревшись к блестящей поверхности мраморных плит, можно увидеть множество мелких вставок из мастики с мраморной крошкой. В последующие годы колонны и стены собора чистились и реставрировались не раз. И теперь постоянно ведется очистка наружных колонн и стен. Каждый раз, когда снимают леса, всех радует обновленность каменной красы. Леса передвигают дальше, за угол, а у посветлевшей части здания начинают свою коптильную работу громадные автобусы. Остается лишь верить, что когда-нибудь это вечное движение завершится чем-то разумным. Зал искусства Европы и Америки 20 века Перед вами «Натюрморт с арбузом» Зал находится в той части Зимнего дворца, где раньше располагались фрейлинские покои. Экспозиции знакомит с работами мастеров Германии, США, Мексики, Бразилии, Италии. Среди произведений художников немецкой школы -работы Генриха Кампедонка, Вернера Шольца, Генриха Эмзена, Ханса Грундинга. В 1964 г. Эрмитаж получил в дар от известного американского художника Рокуэла Кента несколько пейзажей, созданных им в первой трети 20 в. Искусство США и Канады представлено полотнами Альфреда Маурера и Джеймса Уилсона Морриса. В центре зала находится работа Фернандо Ботеро (Колумбия) "Натюрморт с арбузом" (1976-1977), подаренная автором Эрмитажу. Привлекает внимание скульптура Джакомо Манцу "Падающая Тебе" (1983), которая также является даром автора. Немного биографии Биография Фернандо Ботеро Где-то я слышал, что мужчины врут, когда говорят, что любят сухое вино и худых женщин, на самом деле они любят пиво и толстушек. Колумбиец Фернандо Ботеро и не скрывает своего пристрастия к полным людям, впрочем, у него и цветы в вазах упитанные. Тучность стала для него мерой красоты, идеалом, его творческим кредо. Произведения Ботеро, будь то живопись, скульптура или графика, легко узнаваемы, и, если уж один раз их увидел, то никогда не забудешь. Как-то раз, бродя по припортовым улочкам Барселоны, я наткнулся на бронзового кота размером с небольшой дачный домик. Я тогда еще не знал, что это творение Ботеро, но он мне, как говориться, запал в душу, и, когда недавно я увидел картины художника в передаче Euro News, я почему-то сразу припомнил того кота, и не ошибся - кот оказался даром Ботеро столице Каталонии. ТОРЖЕСТВО ПЛОТИ Фернандо Ботеро родился в 1932 году в городе Медельин, известном в мире своим картелем наркодельцов. Его семья потеряла своё состояние, а отец умер, когда будущий художник был еще очень юным. В детстве Фернандо мечтал - стать тореро, но в 15 лет вдруг заявил матери, что желает стать художником и больше никем. Это совершенно не вписывалось в ппланы его консервативной родни, которая считала, что искусство может быть увлечением, но не профессией. Несмотря на это Ботеро постепенно добился того, чтобы его иллюстрации стали появляться в газете «Эль-Коломбиано». В качестве иллюстратора он проработал до 1951 года, когда решился уехать в Европу в поисках новых знаний. Эта была его первая поездка за пределы родины. До Испании он добрался на корабле. Уже в Мадриде записался в художественную школу Сан-Фернандо. Через некоторое время приехал во Флоренцию, где обучался в Академии Св. Марка у профессора Бернарда Беренсона. Там он познакомился с итальянским Возрождением. Позже, в 1952 Ботеро вернулся на родину, и устроил свой первый вернисаж в галерее Лео Матиса. В том же 1952 году он принял участие в конкурсе Национального художественного салона, где его картина «У моря» получила второе место. Но, в общем, молодой художник мало чем выделялся среди сотен своих талантливых соотечественников. Его картины были настолько разнородны, что посетители поначалу сочли, что это выставка нескольких художников. Диапазон художников, оказавших влияние на его первые картины, колебался от Поля Гогена до мексиканских живописцев Диего Риверы и Хосе Клементе Ороско. Правда, юный самоучка из городка в Андах никогда не видел оригинальных работ этих художников, как, впрочем, и других. Его знакомство с живописью ограничивалось репродукциями из книг. До 1955 года Ботеро рисовал, в основном, обычных мужчин, женщин и животных, тогда он еще не открыл для себя ни «толстушек», ни монументальные скульптуры, которым он обязан своей всемирной славой. Они «пришли» как бы случайно, когда однажды в «Натюрморте с мандолинной» инструмент вдруг «растолстел» до смешного. Это был момент истины для Ботеро - он нашел свою нишу в искусстве. В 1964 году Фернандо женился на Глории Сеа, которая впоследствии родила ему троих детей. Позже они перебрались в Мексику, где испытывали большие материальные трудности. За этим последовал развод, и тогда художник перебрался в Нью-Йорк. Деньги быстро закончились, а его знание английского оставляло желать лучшего. Тогда художник вспомнил свой «европейский» опыт и стал, копировать старых мастеров. Одновременно он работал над собственными произведениями, и вскоре, в 1970 году выставился в Галерее Мальборо. Так началась его мировая известность. Ботеро вернулся в Европу, и на этот раз его приезд был триумфальным. Сейчас Ботеро творит в разных странах мира: в его доме в Париже он пишет большие полотна, в Италии проводит лето со своими сыновьями и внуками, создает скульптуры, на Лазурном берегу и в Нью-Йорке рисует акварелью и тушью. Уже сейчас творческое наследие Ботеро огромно - это почти 3 тысячи живописных полотен и более 200 скульптурных произведений, а также бесчисленное количество рисунков и акварелей. Ни в какой другой теме не проявляются у Ботеро объемные формы столь агрессивно, как в обнаженных женских образах; ни один другой мотив его художественного мира не остается так долго в памяти, как эти грузные фигуры с преувеличенно полными бедрами и ногами. Именно они вызывают самые сильные чувства у зрителя: от неприятия до восхищения. Его покорение Парижа завершило пятнадцатилетнюю борьбу за успех и превратило в одного из самых значимых из ныне живущих художников мира. В 1992 году Жак Ширак, будучи в то время мэром Парижа, предложил Ботеро провести персональную выставку на Елисейских Полях. Такой чести не удостаивался до этого ни один иностранный художник. С тех пор разные города мира приглашают Фернандо Ботеро, чтобы он своим творчеством украшал праздники. Так было в Мадриде, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Буенос Айресе, Монте-Карло, Флоренции... Другие города приобрели его произведения за очень большие суммы, и многие стоят в очереди. Его произведения считаются одними из самых дорогих в мире, так, например, его картина «Завтрак на траве», была продана за миллион долларов. В России есть его скульптурная композиция «Натюрморт с арбузом» (1976-1977). Он подарил ее «Эрмитажу», где она и выставлена в Зале искусства Европы и Америки ХХ века. Ботеро не стал отшельником, он всегда отзывается на то, что происходит в мире. Недавно он создал серию картин, которые рассказывают об издевательствах американских военных над заключенными в иракской тюрьме «Абу-Грейб» Серия «Абу-Грейб», по словам Ботеро, продолжает тему жестокости и насилия в мире. Она состоит из 48 живописных полотен и рисунков, изображающих обнаженных заключенных, которых травят собаками и избивают тюремщики. Впервые серия была показана в Колумбии в апреле 2005 года. Ботеро заявил, что тема «Абу-Граиб» будет продолжена. «Я еще не сказал всего, что хочу сказать по этому поводу. Есть еще сюжеты афганских тюрем, американской базы Гуантанамо на Кубе», - говорит художник. "Натюрморт с арбузом" (1976-1977) - в Эрмитаже